Il direttore dell’MCA Chicago spiega come il settore museale si sta adattando all’era del blocco e quali cambiamenti a lungo termine possono comportare.

I musei sono catalizzatori della cultura. Generano nuove idee ed esperienze che influenzano le scelte che facciamo sia come individui sia attraverso la società. Eppure in molte discussioni sui musei, ciò che spesso viene trascurato è il loro impatto economico. L’anno scorso, solo negli Stati Uniti, il settore museale – compresi musei per bambini, case storiche, giardini botanici, planetari, centri scientifici, zoo, acquari, nonché musei di arti visive come il Museum of Contemporary Art di Chicago (MCA), che Ho diretto – accolto più di 850 milioni di visitatori messi insieme.

Che questo settore attiri 2,5 volte la popolazione degli Stati Uniti ogni anno è notevole in sé. Ma l’impatto economico dei musei si estende ben oltre ciò che accade all’interno dei loro edifici. Collettivamente,  secondo un rapporto del 2017 dell’American Alliance of Museums , queste organizzazioni contribuiscono con oltre $ 50 miliardi al PIL, generano $ 12 miliardi di entrate fiscali e producono oltre 725.000 posti di lavoro, il doppio di quello dell’industria sportiva professionale.  Sulla scia di COVID-19, le dimensioni e l’impatto di questa impronta economica indicano che la salute e la vitalità delle nostre città e comunità sono strettamente legate al destino dei musei.

L’MCA Chicago, insieme alla maggior parte del settore museale, è stato chiuso ai visitatori a metà marzo. Da allora, il nostro lavoro è stato guidato da tre valori: proteggere la sicurezza e il benessere del nostro personale e del nostro pubblico; per coinvolgere il nostro pubblico; e per garantire che la nostra organizzazione rimanga sostenibile.

Mentre tutti iniziamo a muoverci verso la riapertura dell’economia, questi valori sono integrati in due principi che ritengo siano le pietre miliari nella risposta in corso del nostro settore alla realtà attuale.

Il primo è un mantra che ho sentito echeggiare da amici e colleghi di altre organizzazioni: il museo che abbiamo chiuso non sarà lo stesso di quello che apriremo. Non programmaticamente, non operativamente, non in modo circostanziato. Man mano che la presenza fisica diminuisce per il prossimo futuro, i nostri modelli finanziari cambieranno completamente e dovremo trovare altre fonti di reddito. Inoltre, il profilo dei nostri partecipanti, che nel caso dell’MCA era composto per il 50% da turisti, diventerà iperlocale e regionale. E in un’era in cui i musei erano focalizzati sul laser per approfondire i livelli di interazione e coinvolgimento dei visitatori, ora dobbiamo sviluppare programmi e strutture che offrano il contrario: un’esperienza socialmente distanziata.

Il secondo principio si presenta sotto forma di una domanda che ogni organizzazione deve porsi: come servirai la tua comunità? Un lato positivo di questa terribile crisi è che ci ha mostrato come le persone possono unirsi. Poiché la pandemia può anche essere usata come copertura per la xenofobia, il razzismo e il nativismo, è fondamentale che i musei trovino il modo di rafforzare il tessuto sociale e rendere l’appartenenza sociale un valore fondamentale, un compito per il quale l’arte, a causa della sua capacità di connettersi le persone attraverso il tempo e il luogo, sono particolarmente adatte.

Al tempo di COVID-19, vedo quattro cambiamenti fondamentali nel modo in cui i musei affrontano e guidano queste sfide:

1. Il museo online è qui per rimanere

Molti musei hanno già creato una piattaforma virtuale completa, costruendo istituzioni digitali con offerte autonome. Questi vantaggi digitali si espanderanno per diventare partner a pieno titolo nel modo in cui il nostro pubblico vive le nostre istituzioni. L’attenzione rivolta al museo digitale come spazio intenzionalmente accogliente e inclusivo è ora fondamentale per la costruzione di una comunità. Lo spazio digitale abbatte le barriere della distanza e della mobilità: combinate questo con un’accogliente porta d’ingresso online e mitigate la “soglia della paura” vissuta da una vasta fascia di visitatori per i quali la posizione del museo, la progettazione spaziale e la sequenza d’ingresso creano ostacoli all’accesso sia fisico che psicologico.

Per quanto riguarda la programmazione, il pubblico online non è vincolato dai limiti fisici dei nostri teatri o auditorium, che ci liberano per rendere le lezioni tendone e le grandi riunioni un appuntamento fisso dei nostri spazi virtuali mentre ci concentriamo su offerte più intime e contemplazione privata sul posto. Generalmente parlando, la programmazione virtuale per una popolazione demografica più giovane e tecnicamente esperta, così come una popolazione che tende all’invecchiamento culturale e che potrebbe auto-isolarsi a ondate, offre straordinarie opportunità di riunire comunità e popolazioni che altrimenti non potrebbero mai stare insieme in un ambiente fisico.

2. Ridefinire i musei come luoghi di raccolta

Molti musei come il nostro riguardano il raduno di persone per sperimentare l’arte e le reciproche prospettive. Fino a quando non verrà ripristinata la nostra fiducia nelle riunioni pubbliche, dobbiamo pensare a come riunirci in modo diverso . La partecipazione fisica sicura non deve essere limitata alle riunioni solo online o a un programma situato nel museo attentamente monitorato. Piuttosto, per la durata in cui i nostri edifici e le nostre sedi sono responsabilità, dobbiamo invertire la nostra attenzione e trovare altri modi per essere più visibili, credibili e pertinenti nelle nostre comunità. Dobbiamo essere leader nell’arte e nella vita civile.

Creeremo opportunità per un discorso sicuro e coinvolgente sia dentro che fuori dal museo, sviluppando così un raggio d’azione più ampio e costruendo valori e comunità condivisi attraverso l’obiettivo di arte e cultura. Nel radunarsi, ci allontaniamo dalle dinamiche dei vecchi modelli di sensibilizzazione in cui siamo esperti che istruiscono un pubblico passivo e fondano invece il nostro lavoro in collaborazioni artistiche e comunitarie reciprocamente vantaggiose, collaborative e impegnate.

All’MCA di Chicago, stiamo anche lavorando per trasformare molte delle nostre attività in una doppia opzione on-site / off-site. Ad esempio, il nostro programma Martedì sulla terrazza all’aperto – un appuntamento estivo che offre concerti jazz e opzioni per la ristorazione – può ora essere vissuto al museo come un evento di persona fisicamente distante, o dalle tue terrazze e balconi, dove saremo offrirti una cena in scatola per divertirti con la tua musica più vicina e cara mentre trasmetti in streaming la nostra musica. Costruire questo tipo di opzione rende un MCA molto più grande, uno disponibile sia qui che lì, contemporaneamente.

3. Arrivederci Blockbuster, Hello Collection 

Amiamo i successi per le loro esperienze artistiche trasformative e vantaggi finanziari. Tuttavia, data la difficoltà nel raccogliere una moltitudine di prestiti internazionali, i maggiori costi di trasporto e assicurazione e la mancanza di assistenza per giustificare l’investimento, tali mostre non si ripeteranno per un po ‘.

Ne trarranno due benefici. In primo luogo, le risorse che normalmente impegneremmo nei film di successo possono ora essere reindirizzate verso altre opportunità che aumentano la visibilità e l’importanza delle grandi opere d’arte nelle nostre collezioni. In secondo luogo, le storie che sono spesso sostituite da spettacoli di successo, ma che sono esse stesse estremamente preziose per la nostra cultura e società, saranno ora sotto i riflettori. Queste nuove prospettive rafforzeranno il nostro impegno nei confronti di artisti e idee emergenti, a lungo un punto debole per i musei di arte contemporanea come l’MCA Chicago.

Il recente successo della nostra mostra Duro Olowu: Seeing Chicago, che comprende un’eccezionale assemblea di opere tratte dalle collezioni pubbliche e private di Chicago, sotto l’occhio cosmopolita dello stilista britannico-nigeriano Duro Olowu, mi dà grande speranza che il nostro settore possa usare l’attuale limitazioni per vedere le storie che sono già di fronte a noi. E queste storie non sono più provinciali per essere attinte dalle ricchezze locali, né meno in grado di situare il pubblico in un mondo globalizzato. Fatto bene, questi percorsi recentemente rafforzati genereranno un pubblico grande ed entusiasta come quelli che hanno partecipato ai nostri successi tradizionali.

4. Rianima il modello WPA: noi stessi

Questa è più una speranza che una previsione, quindi vorrei iniziare dicendo che la chiusura economica ha colpito particolarmente duramente gli artisti. Le gallerie che avrebbero venduto le loro opere sono state chiuse, e i musei stanno licenziando il tipo di lavoro freelance da cui gli artisti artisti dipendono, il tutto mentre il tasso di disoccupazione della nazione sale ai livelli dell’era della Grande Depressione. Richiamo la Grande Depressione perché il New Deal di FDR fornisce un modello per come possiamo affrontare il danno causato alla comunità artistica da COVID-19.

Sotto il New Deal, la Works Progress Administration (WPA) ha messo decine di migliaia di artisti a lavorare in 800 città, dove hanno creato murales, sculture, poster e scenografie; corsi di arte insegnata; e centri di arte comunitaria stabiliti. L’intenzione originale era quella di mantenere gli artisti impiegati, ma alla fine il WPA cambiò il corso della storia dell’arte, producendo alcuni dei più grandi fotografi e pittori del 20 ° secolo. In un momento in cui stiamo vivendo di nuovo un’enorme crisi e un momento estremamente precario per i creatori, un WPA del 21 ° secolo potrebbe svolgere un lavoro vitale per garantire la sostenibilità a breve e lungo termine della nostra arte e dei nostri artisti. Questa può essere un’impresa pubblico-privata, non legata al precedente modello di governo.

All’MCA di Chicago, stiamo promuovendo proprio questo tipo di progetto urgentemente necessario. Stiamo incaricando gli artisti di Chicago di creare nuove opere che prevediamo di esporre questo autunno quando il museo sarà di nuovo fisicamente aperto. Gli artisti ci mostrano sempre la via d’uscita da un dilemma e ci orientano verso il futuro. Come tali, saranno i primi ad articolare il modo in cui viviamo in un mondo post-COVID.

Ciò che abbiamo imparato da questa crisi è che solo lavorando insieme possiamo superare ciò che sembra insormontabile. Questo è il momento in cui condividiamo la nostra gratitudine e il nostro sostegno con la nostra comunità e troviamo la nostra voce sostenendoci l’un l’altro in una più ampia rete di filantropia. E intendo questo nel senso originale della parola: amore per l’umanità. Il supporto non è solo finanziario; è emotivo ed è collettivo.

Viviamo ora in un momento di potenziale ripristino e riprogettazione. Dato il loro impatto culturale e la loro impronta economica, i musei hanno un ruolo fondamentale e unico da svolgere nel contribuire a costruire una società con un maggiore senso di responsabilità sociale che sia equa e inclusiva. Credo che non siano mai stati più importanti.

Madeleine Grynsztejn è la direttrice Pritzker del Museum of Contemporary Art di Chicago.

By Madeleine Grynsztejn , – news.artnet.com